PROPUESTA PEDAGÓGICA – CATEDRA DE BUENO

Siempre que nos abocamos a la tarea de reflexionar sobre la problemática del arte, implícita o explícitamente buscamos definir distintos conceptos. Por supuesto cuando hablamos de definición, de ninguna manera pretendemos establecer un conjunto de leyes cerradas que nos permitan estudiar los fenómenos, sino que procuramos “pensar en voz alta” esbozando ideas sobre la existencia artística y los procesos que estructuran su realización, en base a experiencias vividas y por saberes anteriores, dejando abiertas las preguntas y también las respuestas.
Bien podría pensarse que esta fuga de la necesidad segura y esta tendencia a lo indeterminado reflejan una condición de crisis de nuestro tiempo; o bien, por el contrario, que esto expresa la posibilidad sana de artistas y estudiantes de arte abiertos a una renovación continua de los propios esquemas de vida y conocimiento, productivamente comprometidos en un progreso de las facultades propias y colectivas y de los horizontes propios y colectivos.
Por lo tanto, entendemos que es importante no eludir la búsqueda crítico-reflexiva y la verbalización, ya que nos dan la oportunidad de optar y decidir y en este caso en particular encontrar, no todos pero sí, algunos elementos característicos de la Escultura y su enseñanza en el ámbito universitario.

En primer lugar podríamos definir a la Escultura como una forma de conocimiento metafórico que colabora en la comprensión, interpretación y modificación de la realidad, así como en la construcción de la identidad individual y colectiva. Este conocimiento se materializa con formas –ficcionales y tridimensionales- en su continente –espacio tridimensional- las que expresan el mundo interior y exterior del Hombre y comunican , con un lenguaje visual-no verbal, diversos mensajes.
Aquí, como en otras manifestaciones artísticas, el acto creador generalmente es solitario, pero paradójicamente genera una profunda y perdurable solidaridad, ya que la obra recién se completa cuando se posa sobre ella la mirada del espectador y en ese mismo instante se produce en El la magia de la transformación, al descifrar algún misterio que ella contiene.

A partir de estas definiciones se desprende que, si bien no todo es enseñable y por lo tanto no adquirible, diversos aspectos de la Escultura sí se pueden enseñar y aprender.
Por ejemplo: la ejercitación rigurosa sobre la articulación de planos, cóncavos y convexos en los cristales y las bioformas, contribuirá a que el alumno observe en profundidad, descubriendo las estructuras internas. La memoria, como producto de las ejercitaciones anteriores, actuará de reservorio para nutrir la imaginación (capacidad de crear imágenes). La realización será el materializar tridimensionalmente esas imágenes, para lo cual se requerirá destreza técnica y manejo matérico. Así, a través de los procesos de enseñanza-aprendizaje, los alumnos pueden desarrollar su capacidad de observación, memorización, imaginación y realización.
Sin descuidar el correlato de estos cuatro aspectos, la Asignatura Oficio y Técnica de la Escultura pondrá, como lo indica su nombre, el acento en el conjunto de procedimientos de que se sirve la escultura. El estudio de las técnicas de adición, sustracción y reproducción con sus materiales respectivos será abordado (de lo simple a lo complejo) en sucesivos Trabajos Prácticos a lo largo de los tres niveles de la Asignatura; creándose también el ámbito necesario para su experimentación e investigación.
De esta manera los alumnos del IUNA se liberan de la esclavitud que significa un conocimiento no internalizado para así, en el futuro, desempeñarse con responsabilidad social y eficaz perspectiva.

En las últimas décadas, la Escultura ha renovado su visión bajo la influencia creativa de numerosos hacedores, nuestra tarea como docentes, será la de destacarlas:
a) A lo largo de los Siglos XX y XXI la escultura experimentó un proceso de desmaterialización a través del cual los sólidos cedieron terreno para que el espacio adopte un rol protagónico. Así se profundizó la perforación de la materia; aparecieron el filamento (línea tridimensional) y la banda generando volúmenes y planos virtuales (no sólidos); forma interna y externa; etc.
Jerarquizar de tal manera el espacio, no significa subestimar la materia ya que tenemos que reconocer que la materia es el elemento plástico preferentemente elegido por los escultores. Asimismo, en sí, el espacio es imperceptible por ser visualmente vacuo. Pero lo percibimos de manera indirecta: a través de los objetos y distancias. Con esta manera indirecta logramos conocerlo y organizarlo, transitarlo y habitarlo, transformarlo y significarlo.

b) Aparición del eclecticismo, entendiendo por eso la libre elección y combinación de elementos conceptuales y formales de distintos estilos. A partir de esta actitud el creador se nutre de otras culturas para lograr un lenguaje visual propio a través del cual comunica un mensaje nuevo y distinto. Este no es un nuevo fenómeno ya que el arte siempre ha estado sometido a influencias, pero la diferencia está en que en los últimos cien años surge de una necesidad individual, mientras que en otras épocas respondía a necesidades históricas, religiosas, políticas o económicas.

c) Encontramos una diversidad de estilos y no un despliegue de movimientos coherentes. Hasta la Segunda Guerra del Siglo XX los artistas, en general, se agrupaban bajo planteos estéticos similares que daban a conocer con manifiestos y publicaciones, a partir de esto producían sus obras. De esta manera surgieron los estilos o escuelas (“ismos”). En cambio, después de la Guerra, especialmente los escultores muestran una determinación de no pertenecer a movimiento alguno, produciéndose lo que Herbert Read denominó: “libre pensamiento artístico”.

d) A partir del aprovechamiento, por parte de los artistas, de los adelantos tecnológicos, surge el cinetismo, que es la introducción del movimiento y la luz reales en las obras escultóricas. Así, se abordan los problemas del tiempo (cuarta dimensión) articulados con los del espacio.

e) Incorporación de nuevos materiales: transparentes, translúcidos, opacos, espejados, policromos, monocromos, plásticos, metálicos, hormigón, etc.; además de los tradicionales: piedra, madera, yeso y bronce.
f) Utilización, junto a la talla y modelado, de nuevas técnicas, entre las que se destaca el ensamble. Se entiende por ensamble o construcción al proceso de formación de una escultura a partir de varias partes componentes, que pueden ser todas del mismo material o de sustancias diferentes las que mediante soldadura, encastre, empernado, etc., crean una nueva unidad. El ensamble, entre otras cosas, le abrió las puertas al arte “objetual”, el cual se convierte en un potente polo de actividad creativa; el objeto
descontextualizado, metamorfoseado, reiterado, fragmentado o reordenado en el espacio, pierde sus cualidades primeras para transformarse en medio de referencias poéticas, existenciales, irónicas y dramáticas.

Todos estos fenómenos influyeron, en mayor o menor medida, a las diversas vertientes escultóricas: abstracta, figurativa, concreta y conceptual, generando un infinito gradiente entre lo “semántico”y lo “sintáctico”.
Asimismo, se generó el marco propicio para que se desarrollaran la Escultura en las dimensiones Urbana y Territorial con problemáticas y resoluciones propias de la contemporaneidad.

Destacar estos nuevos aportes no implica anular lo “anterior” ya que la Escultura, como toda forma de conocimiento, se construye con dos extremos en equilibrio: el uno que avanza hacia el devenir y el otro que conserva los valores basamentales. De esta manera podremos vivenciar junto a nuestros alumnos que: “el artista debe crear como un Dios, gobernarse como un soberano y trabajar como un esclavo” (C. Brancusi).






Prof. Oscar de Bueno
Titular OTAV Escultura I, II, III